El silencio también es un recurso audiovisual

El proverbio del siglo XIX que dice que “El habla es plata, pero el silencio es oro” puede haber sido en referencia al valor de la discreción. Pero cuando se aplica al cine, la frase es cierta.

Cada componente auditivo añadido durante la postproducción de una película sonora debe añadir algo al corte final. Podría ser un sutil subrayado no diegético bajo un diálogo pesado, o los sonidos diegéticos de pasos acercándose, bebés llorando, o bombas explotando. Lo que se escucha en una película es tan importante como lo que se muestra. Pero a veces es la falta de sonido lo que mejor funciona para lo que el cineasta trata de transmitir.

Relacionado con siete películas que cambiaron lo que se escucha en el cine. El silencio se extiende a través de varios géneros como una herramienta para construir la anticipación y para ilustrar el contraste.

El silencio como subversión de lo que se espera

Hay dos tipos de “silencio” en una película: el silencio absoluto y el silencio cercano (o relativo). Este último es mucho más común y es en cambio una aproximación en capas al verdadero silencio. Lisa Coulthard describe esto como un “efecto construido y fabricado de silencio en lugar de cualquier entidad o cualidad verdadera o incluso ausencia”. Desde el uso pionero de Fritz Lang del sonido diegético en los años 30 con M (1931), se ha utilizado para llenar los vacíos de lo que se espera, incluso si no se ve. Si alguien camina por el bosque de noche en una película de terror, los sonidos de la naturaleza y el subrayado (si se mantienen bajos y/o han estado sonando durante todo el tiempo) forman la base casi silenciosa de la escena porque se leen de forma normal. El chasquido de una ramita añadiría tensión porque rompe el silencio y simultáneamente señala el peligro.

En El resplandor (1980), Stanley Kubrick adopta un enfoque más artístico de la subversión, creando huecos y llenándolos con una partitura inquietante. Danny Torrance revela su habilidad para “brillar” mientras habla con Tony en el baño. En ese momento presenciamos la visión de Danny de los gemelos Grady y la sangre derramada del ascensor del hotel Overlook. “El despertar de Jacob” del compositor polaco Krzysztof Penderecki se hace más fuerte a medida que todos los demás sonidos desaparecen. No oímos el grito de Danny o el sonido de la ola antinatural chocando contra las paredes y los muebles. Esto hace que la escena sea más inquietante.

Usar el silencio para dirigir la atención

Eliminar completamente ciertos sonidos (o desvanecerlos en el fondo de una escena) obliga al espectador a prestar atención. Los elementos más importantes se destacan por el contraste. En el drama polaco Ida (2013), la cámara se sienta en silencio durante un rato con una mujer en una bañera. Este resulta ser el penúltimo momento de su vida. En un marcado contraste, el último momento de su vida está marcado por la música clásica que suena en la escena.

En To Kill a Mockingbird (1962), la gravedad del discurso de Atticus Finch “Todos los hombres son creados iguales” en la sala del tribunal proviene tanto de la experta entrega de Gregory Peck, como del hecho de que no está compitiendo con una puntuación sentimental por la atención del público.

El tono a menudo dicta si se debe agregar o no el sonido (específicamente la música). Los discursos inspiradores sobre la lucha por la libertad (Braveheart) o la independencia (Independence Day) suelen necesitar composiciones conmovedoras para ser efectivos. La música le dice al público cómo sentirse y qué partes del discurso son más importantes, ya que el volumen y la intensidad suelen tener una correlación directa con la emoción.

Mantengamos el tema de los discursos de la sala como una idea opuesta a los gritos épicos de rally. Elegir el silencio permite que la gravedad de la situación se sienta a través de las palabras, acciones y reacciones de los que se encuentran en el escenario más formal. El intercambio entre Tom Cruise y Jack Nicholson en A Few Good Men (1992) comienza como un interrogatorio tranquilo y se intensifica hasta llegar a una pelea a gritos, interrumpida sólo por un juez que intenta y no logra mantener el orden, y las pausas naturales en la entrega de la línea. Por supuesto que el enfoque de la lente juega un papel, pero el silencio aquí es lo que permite que el resto de la sala desaparezca, mientras el público espera que un hombre se quiebre.

El silencio como entidad

Para cineastas como Ingmar Bergman, Andrei Tarkovsky, Jean-Luc Godard, el silencio y el sonido se convierten a menudo en personajes de la narración. Sirven simultáneamente como elementos sónicos y representan lo metafísico y existencial. El silencio es amenazador y reconfortante. El silencio es Dios y el silencio no es nada. Lo esencial es que el silencio puede ser una forma subjetiva y más flexible de abordar un tema o una idea más amplia.

El silencio como realidad o hiperrealidad

En la práctica, a veces el silencio sólo permite al público experimentar lo que sienten los personajes. La desorientación de una explosión es a menudo transmitida por un sonido de timbre y un silencio relativo (Tom Hanks en Saving Private Ryan). Aquí, el contraste es con lo que el paisaje sonoro era antes del evento, y lo que la audiencia asume que será después de un período finito. El espacio exterior es a menudo silencioso (2001: Una Odisea del Espacio, Contacto, etc.) porque eso es lo que la ciencia nos dice que es el espacio. Los astronautas no oyen nada, así que nosotros tampoco deberíamos.

Opciones similares conectan a las audiencias con las experiencias de los personajes con discapacidades físicas. En la reciente película de terror Hush (2016), dirigida por Mike Flanagan, el protagonista es un escritor sordo y mudo. Se ha recluido en una cabaña en el bosque cuando un hombre enmascarado con un cuchillo comienza a atormentarla. “El sonido es crucial para el género en general, pero nunca más para mí que con esta película”, dijo Flanagan a Bloody Disgusting. El director reveló detalles sobre cómo él y su equipo contaron la historia original a través del silencio:

La película Don’t Breathe (2016) hace algo similar, ya que lleva a la audiencia a un mundo tranquilo gobernado por un ciego. Hay escenas en la oscuridad que son claros homenajes a la escena del sótano en El silencio de los corderos (1991). El punto de vista del público es a través de la visión nocturna y todos los protagonistas tienen que navegar por el espacio son sonidos que contrastan con el silencio de la oscuridad.

En Band of Outsiders (Bande à part) (1964), Godard lleva al público a una escena silenciosa de una manera que pretende ser discordante y juguetona. Mientras están sentados en un café, tres personajes acuerdan tener un “minuto de silencio”. La mujer de la escena cuenta hacia atrás desde tres. Justo cuando el trío se calla, todo el sonido ambiental del lugar desaparece. El espectador experimenta un silencio absoluto en tiempo real. El silencio no dura un minuto completo, sino sólo porque uno de sus jugadores interrumpe el juego.

Usando el silencio para el efecto de la comedia

Para terminar con una nota más ligera, echamos un vistazo a la relación entre el silencio y la comedia. Para comediantes como Charlie Chaplin (que rara vez rompía el silencio en el cine), la comedia física era el único medio de inspirar risas, lo que allanó el camino para que los comediantes de generaciones posteriores se convirtieran en animadores híbridos.

Esto nos lleva inevitablemente a la obra de Stanley Kubrick. En su única película cómica, Dr. Strangelove, o..: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (1964), los chistes dependen del silencio de una manera que no se podía escribir. George C. Scott sería el héroe cómico no reconocido de la película, si no fuera por los diversos papeles de un tal Peter Sellers. Kubrick permitió que Peter Sellers improvisara gran parte de sus diálogos y modificó el guión sobre la marcha. Tal vez el momento más icónico del filme sea la escena final, donde una Sala de Guerra muda le da a Sellers el escenario para dar una clase magistral de comedia verbal y física

Otro comediante que domina el arte de trabajar con y alrededor del silencio para hacer bromas más divertidas fue el difunto Gene Wilder. El supercorte de abajo, presentado por Raging Cinema, muestra cómo Wilder usó la pausa cómica en casi todos los papeles que tuvo.